• Performance

Le manque d’eau,la terre et la pauvreté

Aujourd’hui des millions de personnes dans le monde doivent toujours faire des efforts financiers et/ou physiques importants pour obtenir de l’eau. En conséquence ils ont moins d’opportunités pour échapper à la pauvreté. Oui, le manque d’eau entraîne bien des chances de développement insuffisantes. D’autre part, petit à petit, les paysans abandonnent les champs parce qu’ils ne peuvent pas faire face aux importations à bas prix. Aujourd’hui ils sont dépendants des importations et payent le prix fort lorsque le marché international est à la hausse.

L’eau,la terre et la pauvreté: un lien complexe

• Le rapport entre pénurie d’eau et pauvreté est évident, mais néanmoins plus complexe qu’on le pense généralement. L’installation d’une pompe ou d’un système de distribution d’eau n’implique pas nécessairement que les femmes et les enfants puissent profiter d’une façon optimale de l’eau saine et proche. A cause de leur position et rôle dans la famille ou dans la communauté, ils ne sont presque pas impliqués dans la gestion ou la formation. En dehors de leur disponibilité, l’efficacité de l’usage de ces eaux joue aussi un rôle dans la lutte antipauvreté. Ainsi il faut prendre en compte cinq paramètres: disponibilité, accès, capacité, usage et environnement.
• Haïti : Des galettes de boue pour tout repas

Dans ce pays, l’un des plus pauvres du monde, les paysans affamés finissent par manger de la boue salée et séchée. L’augmentation du prix des céréales, les inondations, l’instabilité politique et la mauvaise gestion de l’aide humanitaire sont en cause.

Quand il n’y a rien à manger, il y a encore de la terre. Le mélange, avec un peu d’eau, du sel et de la matière grasse végétale, donne une masse boueuse lisse. Découpée en rondelles plates et séchées au soleil, elle devient une sorte de biscuit, peu appétissant et qui donne des maux de ventre, disent ceux qui en goûtent. Mais c’est bien le seul repas que prennent des milliers de Haïtiens trois fois par jour depuis quelques semaines. Autant dire que Haïti n’en finit pas sa descente aux enfers.

Performance (cliquez)

La villa romaine

- étudier la structure du tableau, les grandes lignes, point de fuite…

-étudier les couleurs

-choisir et interpréter une partie du tableau.

- faire des “boites” pour ensuite toutes les assembler pour recréer l’ambiance de De Chirico.

L’interieur de mes boites j’ai mis les détails du tableau réinterprétés.

LA PEINTURE ITALIENNE DE L’ENTRE-DEUX GUERRES

Alors qu’aux environs de 1910, l’Europe voit foisonner un grand nombre de mouvements artistiques en rupture avec les traditions du passé, l’Italie, jusqu’alors enclavée dans une apathie politique et culturelle qui a duré pendant près d’un siècle et demi, fait irruption sur la scène internationale . Elle va ainsi générer, en dix ans, deux courants qui remporteront un grand succès -le futurisme et la peinture métaphysique – et deux grands artistes ” isolés ” Modigliani et Morandi.

Giorgio De Chirico 1888, Vólos (Grèce) – 1978, Rome.

Né en Grèce de parents italiens -son père était ingénieur des chemins de fer- De Chirico reçoit une éducation classique à Athènes où il s’imprègne de l’atmosphère antique et de la lumière crue du soleil grec. A la mort de son père, avec sa mère et son frère, le futur Alberto Savinio, il s’installe à Munich où il suit les cours de l’Académie des Beaux-Arts. Il se nourrit de culture allemande romantique, se passionne pour la philosophie de Nietzsche et la peinture nostalgique de Boecklin. De retour en Italie en 1908, il découvre les architectures longilignes turinoises et réalise, en 1910, la série des Enigmes. Il rejoint son frère à Paris en 1911, se lie avec Apollinaire, rencontre Max Jacob, le marchand Paul Guillaume. Il peint et expose au Salon d’automne et au Salon des Indépendants, où, en 1914, ses œuvres sont remarquées. Son langage pictural, littéraire, introspectif, est déjà très identifiable : perspectives d’arcades désertes, statues antiques silencieuses, longues ombres portées contrastées, tours ou cheminées d’usines, associations improbables d’objets -locomotives, fruits ou légumes, lunettes, gants – dans une atmosphère poétique pleine d’attente nostalgique que baigne une lumière ocrée sous un ciel crépusculaire. Avec le déclenchement de la guerre, en 1915, De Chirico et Alberto Savinio rentrent en Italie. Il est mobilisé à Ferrare. À partir de cette période, les très rares présences humaines dans ses toiles précédentes laissent désormais place à ” une humanité de mannequins ” aux visages aveugles, emblématiques, puis apparaissent d’autres objets récurrents : des souvenirs de ses désirs d’enfance -jouets, pâtisseries- ou des outils ésotériques. C’est également à Ferrare qu’il définit le concept ” métaphysique ” de sa peinture. ” Ce mot évoquait le rêve prométhéen de l’artiste, d’arracher aux choses, à leur silence, leur inertie, leur impassibilité, quelques-uns de leurs secrets surnaturels “, commente le critique Maurice Raynal. Hospitalisé en janvier 1917, il rencontre durant son traitement Carlo Carrà qui abandonne le futurisme pour adhérer, avec lui, à cette nouvelle ” école “. La peinture métaphysique naît officiellement. De Chirico explore alors les ” intérieurs métaphysiques “, accumulation de symboles qui encombrent les réduits confinés de l’inconscient où pointe parfois, bouffée d’extérieur, un tableau de paysage. L’esthétique mélancolique élaborée par De Chirico dans la peinture métaphysique prend ses racines dans la perception d’un passé révolu, définitivement coupé du présent. On peut en ce sens voir déjà dans la peinture métaphysique l’origine du retour aux sources classiques, à la tradition, que De Chirico opère au lendemain de la Première guerre. Avec Carrà et Savinio, qui s’étaient ralliés à la peinture métaphysique, il collabore à la revue Valori Plastici, dans laquelle il définit un nouvel ordre esthétique fondé sur ce qu’il nomme ” le retour au métiers “. A l’univers déroutant des architectures vides et des mannequins symboliques succède la stabilité d’un monde réel se référant aux maîtres anciens du Quattrocento au Seicento. Aux sujets bibliques ou mythologiques, aux nus féminins directement inspirés de Rubens, se mêlent régulièrement dans les années 20 des thèmes de la peinture métaphysique ou, plus tard, des ré- interprétations de sujets traités avant la guerre, comme autant de témoignages de la quête d’un passé identitaire et de sa préservation. Une quête que viendra soutenir le pouvoir fasciste lors des expositions du mouvement Novecento auquel De Chirico, comme la presque totalité des artistes de son époque, a adhéré.

La peinture métaphysique :

De Chirico est l’inventeur de la peinture métaphysique. C’est vers 1910 et ensuite à Paris, que cet Italien né en Grèce élabore une expression picturale figurative caractéristique, fondée sur une culture classique et inspirée de Nietzsche, Schopenhauer, et des œuvres de Boecklin. Cette peinture met en scène des compositions oniriques où règnent la poésie de l’immobile, les perspectives urbaines désertes d’humanité dont l’étrangeté est accentuée par le traitement réaliste, mais habitées – rencontres apparemment incongrues- d’objets très concrets et de mannequins sans visage. Elle se réfère à la mélancolie d’un monde énigmatique et inquiétant, où les symboles abondent. Elle s’oppose au futurisme par sa recherche d’une signification profonde de la forme, au travers d’un appel aux rêves et aux mythes. La peinture métaphysique remporte immédiatement un grand succès international Elle naît officiellement en 1917, à l’hôpital militaire de Ferrare où se retrouvent De Chirico, Alberto Savinio son frère, De Pisis et Carrà . Outre ses trois représentants essentiels, De Chirico , Carrà et Morandi, d’autres peintres comme Savinio, De Pisis, Sironi, Casorati, Tozzi, Donghi, Soldati, Campigli…s’en inspireront ponctuellement . Elle s’achève, en principe, en 1921, lorsque le groupe Valori Plastici se développe . Mais en réalité, la peinture métaphysique continuera de nourrir , au fil du temps, De Chirico (notamment de 1920 à 1930 sa série des Archéologues, des Gladiateurs et des Meubles dans la vallée), les peintres des Valori Plastici et ceux du Novecento. Sur le plan international, elle influence la Nouvelle objectivité, le Réalisme magique allemand, et participe notamment à la détermination du surréalisme dont De Chirico peut être considéré comme un précurseur .

Il est un peu délicat d’apporter une réponse absolue ou exhaustive à cette question, pourtant fondamentale. Chacun dessine pour des raisons différentes qui peuvent également varier au cours du temps.

Voici donc quelques réponses non hiérarchisées et tout à fait subjectives :Se faire plaisir,créer quelque chose, communiquer ses idées, ses sentiments, ses impressions, apprendre à observer le monde d’une manière différente

Pour moi,le dessin est essentiel : le dessin est le père des beaux-arts, le tronc commun sans lequel ni peinture, ni sculpture, ni gravure, ni architecture… ne seraient possibles. Parce que tous, les traders, les fous, les enfants, les taulards peuvent se trouver – et se retrouver eux-mêmes – là, entre rêve et réalité, en train de dessiner, en train de regarder un dessin, simplement, directement.

Le dessin est un langage.

Le dessin est un formidable outil de communication ; il est donc dans presque tous les cas, ouvert vers les autres. Il est un langage personnel mais qui doit rester intelligible pour autrui : je ne peux pas expliquer ma sémantique, mon vocabulaire, ma syntaxe à chaque spectacteur. Aussi, cette clef pour décrypter mes productions doit être comprise dans elle-même. Le meilleur moyen de rendre cette clef facilement identifiable est de s’appuyer sur les traditions.

Aussi, à l’instar de l’écriture, il est nécessaire de savoir s’exprimer correctement, de ne pas faire de fautes d’orthographe ou de syntaxe, d’avoir un vocabulaire riche, de lire un minimum avant de se prétendre écrivain et de vouloir faire des néologisme, de réinventer la narration ou bien encore de s’affranchir de certaines règles poétique.

Les traditions sont trop souvent vues comme des carcans étouffants alors qu’elles sont un panel d’outil visant à nous guider dans une infinité de possibilités d’expression. C’est avec le temps et l’expérience que je pourrai, tout en me basant sur ces traditions, créer mon propre dictionnaire.

En dessin, je pense avoir progressé. Pas que je dessine mieux qu’avant, je crois qu’il n’y a pas un dessin meilleur qu’un autre. Ce qu’il y a c’est que je peux dessiner plus délibérément, j’approche plus la connaissance de ce que mes mouvements vont provoquer. Par l’expérience, je dessine avec une plus grande connaissance des causes de ce que je fais. Une meilleur observation des choses et des proportion. Exploiter la géometrie du monde qui m’entoure …

Cours de nu:

Nous avons eu deux séries de cours de nus au cours de l’année. Nous avons pus exploiter divers médiums, crayons, encres… les modèles ont étés d’une grande diversité, avec des corps et des postures très différentes.

Ces quelques cours m’ont réellement permis de progresser, notamment au niveau de la mesure des proportions et du dessin d’observation.

Le premier cours de l’année, et soit dit en passant mon premier vrai cours de dessin digne de ce nom, était une série nue fut un cours de dessin durant 4h. le modèle, une jeune femme enceinte.

Différent temps de pauses 15 min ; 45 min ; 10 mn ,9 … 3min. Fur et mesure on commence à prendre de bonne techniques pour commencer, l’axe, la colonne vertébrale, les proportions… aller a l’essentiel.

J’étais moins allaise dans les pauses longues, un peu je pense parce que je n’avais pas la technique aussi pour pouvoir continuer la première ébauche.

Vanité contemporaine : Le thème des Vanités est la mise en image de la fragilité, de la futilité, du néant, et sans dou te de la mort. Il est la réponse sous forme de question à une éternelle inquiétude. Il est un retour en arrière, au temps des for­mulations initiales où s’affrontaient matérialisme et mysticisme. La Vanité est une sorte de tautologie pour la peinture qui se pose par elle-même comme vanité ; elle serait la question de la question à la peinture et à toute image aujourd’hui mise en cause par son évolution virtuelle.

Ping-pong :

Un projet ou nous devions tout au long de l’année en binôme établir une correspondance, nous répondre à partir d’un premier dessin, comme un échange de lettres, pour aboutir sur un livre, qui contient toutes les réponses. Ce projet n’était pas si évident, il fallait se répondre, mais aussi qu’il y est une évolution pour ne pas « tourner en rond » proposer à ma partenaire d’autres styles graphiques, ne pas nécessairement rester dans le figuratif, trouver une certaine narration tout au long de notre échange.

Pour la présentation finale il fallait créer un livre photocopié, au format A5, ou les réponses se trouvent confrontées les unes aux autres. Nous avons fait le choix, de ne pas présenter tout le livre sous forme de double pages, mais d’introduire des réponses photocopiées sur du calques où la réponse apparait par transparences en dessous.

Premiére étape, réaliser le storyboard. Pendant qu’un groupe commençait les maquettes, nous faisions le storyboard, qui est la traduction en images du scénario qui se présente un peu comme une bande dessinée. Avec celui-ci nous devions faire une premiére animation. Dans un deuxiéme temps, le film avec les maquettes, les personnages et le son.

Les décors :sont conçus sous forme de maquettes, à partir des recherches graphiques, et doivent obéir aux exigences de la prise de vues et de la mise en lumière pour être fimées.Réaliser le décor sous forme d’une maquette en accord avec notre storyboard .

Les personnages :réaliser les personnages entrant dans notre projet et les placer dans nos décors. Nous avons testé plusieurs techniques : papier découpé, pate à modeler…pour finalement réaliser des personnages trés schématique par rapport à nos décors. Nous voulions uniquement que les action et les déplacement soit compréhensibles.

Ces deux jours furent une bonne expérience. Chacun complétait les compétences des autres. J’apprécie le travail en groupe lorsqu’il est constructif, ce qui n’est pas toujours le cas.

Video (cliquez)

Je suis plutôt satisfaite de mon travail même si il reste encore quelques petits défaults- il était prêt a 13h59 pour 14h la présentation – j’ai réussie à faire une petite animation incrusté dans les photos qui défilent, avec un jeu avec la musique…on peut presque parler de petit miracle.

C’est en quelque sorte l’esprit artistique qui est seul, qui  rencontre en d’autres, avec lesquels il prend tout son sens.

Je voulais vraiment saisir cette chance en début d’année pour me familiariser un peu plus avec  les machines- chose faites, même si ce n’est vraiment pas un médium qui m’est évident. La guerre froide avec  cette machine est terminée.

Seulement après deux semaines intensives passer sur cet écran je suis bientôt aveugle, le travail à coté… merci weekend tant attendu.

Pour cet exercice il m’aura fallu beaucoup de concentration et d’efforts. J’ai eu un peu l’impression d’avoir appris le chinois, chaque étape de la réalisation était une découverte après beaucoup de recherches et de persévérance.

Avec l’informatique, l’électricité, le gros problème c’est tout le temps se soucis de vouloir conserver son travail, arrivé à réaliser exactement la couleur que l’on veut, mais une fois sur une autre machine, elle n’est plus la même : solution, l’éphémère, l’aléatoire, la boucle qu’il faut savoir arrêter a temps l’instant -> le numérique n’est pas fait pour durer, être contrôler.

Diaporama (cliquez)

 Au sens plus général, il est dans une démarche de remise en cause de la « culture automobile » (pétrole et conflits qu’il engendre, pollution, société de consommation…). Malgré ses revendications il veut que l’interprétation de son œuvre reste ouverte.

Son travail a été qualifié de : land art urbain, de transgressions social, ou encore de cartoon politique. Peter Gibson, quant a lui, a longtemps entretenu l’idée de faire une certaine forme d’art de la rue comme une réponse à ce qu’il considère être une mauvaise conception de l’utilisation de l’espace public, et  d’autre part  la découverte  du travail du land artiste Andy Goldworthy¹   a été une véritable source d’inspiration.

Il a donc développé un langage autour des « marques » de la rue et des autres éléments du paysage urbain. Pour se faire il utilise une technique principalement basée sur le pochoir, dans un style ludique, intègre et puisant.

Arrêté en 2004, pris sur le fait, a Montréal par la police, l’artiste a reçut un tel soutient de la communauté artistique et surtout chez les citoyens que la ville n’a eu d’autre choix que de faire marche arrière, et de passer une peine potentiel de 200000 dollars à 40h de travaux d’intérêts communautaire dans le domaine des arts visuels.

Aujourd’hui il travail pour la ville de Montréal, participe a de nombreuses expositions, et réalise des commandes comme celle du tour de France en 2007.

Sa démarche ne peut plus être la même que lorsqu’il faisait ses pochoirs dans la rue, il s’adapte en fonction des commandes et surtout du lieu dans lequel va s’inscrire son œuvre. Le message et l’espace étend indissociables, il ne peut pas continuer à faire ses passages piétons dans une galerie par exemple.

Il me semblait intéressant de parler de cet artiste, car il s’inscrit dans une problématique d’actualité : celle de l’art et de l’espace public :

Par exemple l’événement Nuit Blanche, est une manifestation culturelle qui privilégie la création contemporaine sous toutes ses formes, ouverte à tous et gratuite (arts plastiques, projections, installations, musiques, arts de la scène et de la rue, arts du cirque et arts forains). Si la Nuit Blanche rencontre un succès croissant — la fréquentation a triplé entre 2002 et 2007 et le concept a été repris par une douzaine de métropoles : Rome, Madrid, Bruxelles, Amiens, Montréal, Shanghai… — elle n’a pas encore fait l’objet d’analyses critiques détaillées. Pourtant  forme artistique éphémère, elle  invente  sur le long terme de nouveaux rapports entre la création contemporaine, la ville et ses habitants.

Enfin la revue Beaux art magazine n° 294, laisse sa couverture à Obey Giant et consacre un dossier complet sur le Streets art. Un grand pas pour la reconnaissance de ce mouvement qui s’impose dans les plus grandes galeries du monde entier.

www.roadsworth.com

roadsworth, franchir la ligne : ce documentaire de Alan Khol nous présente Roadsworth et son travail. La question de l’espace urbain et savoir à qui il appartient, SI il appartient à quelqu’un, sont ouvertes.

Réaliser une animation, avec le logiciel 3ds max, en ayant pour base le tableau de notre choix. La peinture étant par définition un médium à l’opposé de la modélisation 3d. Nous étions un groupe de trois avec Nicolas et Cyrielle.

L’oeuvre de notre choix est celle de françois Morellet.

François Morellet commence à peindre des toiles figuratives, avant de se tourner résolument vers l’abstraction dans les années 1950, à rebours des tendances contemporaines à l’abstraction lyrique ou expressionniste. La découverte en 1952 à l’Alhambra de Grenade de l’art islamique, « l’art le plus intelligent, le plus précis, le plus raffiné, le plus systématique qui ait jamais existé », joue un grand rôle dans ce revirement vers une abstraction géométrique objective. Parallèlement, ses maîtres occidentaux sont Piet Mondrian, Paul Klee, Marcel Duchamp, et ses amis Ellsworth Kelly ou Pierre Dac.

Morellet rejoint en 1960 le GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel), qui souhaite « donner un sens social à la géométrie ». Le groupe se dissout en 1968, mais aura apporté beaucoup à l’art minimal. Morellet crée alors un art expérimental qui s’appuie sur les connaissances scientifiques de la perception visuelle, et commence en 1963 à intégrer à ses œuvres des néons.

Après 1970 débute pour Morellet une période marquée par la création d’œuvres de plus en plus dépouillées, qui jouent avec leur support et l’espace qui les environne. Il réalise alors un grand nombre d’intégrations architecturales, qui attestent de sa parfaite maîtrise dans le maniement des formes et leur adéquation parfaite avec l’architecture.

Irrespectueux des préceptes constructivistes, Morellet s’amuse dans ses œuvres à inventer des règles absurdes, où parfois intervient le hasard, et d’où le sentiment est absent, apportant ainsi un peu d’humour dans le terne monde de l’abstraction géométrique.

 Nous voulions pouvoir évoluer dans cette installation, rentrer dans la ligne…Réalisation finale

 Du point de vu technique, cet atelier fut une réelle découverte, il fallait se familiariser avec le logiciel:

Introduction et prise en main de l’interface de 3ds Max:Présentation du logiciel et configuration requise. Démarrage et présentation de l’interface . Spécificités de l’interface . Fichiers, affichage et navigation d’une scène

Présentation et propriétés des entités : Les différentes classes d’entités . Propriétés et pivot d’une entité . Objet et sous-objet

Manipulation et gestion d’une scène :Les différents outils de sélection.Déplacer, orienter et mettre à l’échelle un objet. Comprendre le système de coordonnées de références  et utiliser les centres de transformation. Cacher et geler des objets . Organiser sa scène avec les groupes, liens (link) et calques (layers).

La modélisation:C’est la première étape pour faire des images ou des animations 3D…
Deja, il faut créer un objet et la on n’a pas mal le choix : boite, sphere, pyramide pour la 3D. On peut crere des objets 2D et faire des tranformations ensuite. Il y a aussi des objets plus compliqué : une théière, il parait qu’il y a une longue histoire avec cette théière mais moi je ne l’a connait pas. Il y aussi tout un tas d’objets 3D compliqué qu’il faut essayer aussi.

Les modificateurs: Ca c’est essentiel, je crois même que les pros de la 3d il n’utilise que l’objet boite et ensuite il le déforme pour faire ce qu’ils ont envie de faire.
Les déformations possible : y’en a pleins : torsion, tour, …

L’animation: Je pense que la cinématique inverse, le point faible de 3Ds max, c’est un peu compliqué, en plus il y a pas mal de probléme si on ne fait pas attention. Par contre l’animation en elle meme est pas mal du tout, il y a un grand nombre de possibilitée qui peuvent être envisagées.

Les lumiéres et les mouvements de caméras:La lumière est très importante dans une scène pour la réalité de cette scène ou au contraire pour créer une ambiance particulière.
On a différents choix de lumières (comme au cinéma…) : omnidirectionnel, directionnel, celle du soleil. Il y a aussi beaucoup de paramètres qui permettent de régler ces lumières, cela permet de faire pleins d’essai et de rendus différents (quand on a un ordinateur puissant.)

Le rendu: C’est l’événement qui me parait être le plus important dans une image 3D. Pour cela 3ds max a pensé à tout il y a des paramètres de rendu : lumière globale par exemple (rend les lumières très réalistes au niveau des ombres). Les autres paramètres je ne le connais encore pas trop pour l’instant.

C’est un logiciel très complet qui permet d’obtenir de très bons résultats malgrés une prise en main assez difficile (surtout en deux jours).  Une expérience trés intéressante et enrichissante, étant donné que c’était une grande premiére.

À la différence de beaucoup d’autres inventions,la photographie eut des effets imprévisibles. De la machine à vapeur ou de l’éclairage au gaz,on sait à peu prés , au milieu du XIXe siècle, ce que seront les usages : mécanisation,transports,sécurité,conditions de vie. C’est au contraire un impact mental qui caractérise très vite la photographie,reçue comme une transformation radicale de certain mode de pensées,par la médiation de l’image. « C’était un prodige qu’on ne s’expliquait pas,mais auquel il fallait bien croire. Une industrie nouvelle était née. »(Ernest Lacan,1856.)

L’invention de la photographie a été officiellement annoncée le 19 aout 1839 à Paris,sous la forme primitive du daguerréotype. Nicéphore Niepce(1756-1833)avait commencé des recherches en 1816 et expérimenté sur divers support : papier,verre,pierre,métal,enduits de matière photosensible (en particulier le bitume de Judée),exposés à la lumière dans la chambre noire. En 1827,il rencontre Daguerre et ils entament un réel travail de chimie. Par quelques hasards heureux leurs permettes de mettre au point une méthode ingénieuse mais complexe,le daguerréotype. L’image est obtenue sur une plaque de cuivre argentée. En 1839,l’Anglais W.H. Fox Talbot publie ses recherches sur un papier imprégné de sel d’argent qui,soumis à la lumière,garde l’empreinte des objets. Talbot prend conscience de la différence de sa démarche par rapport au daguerréotype et travaille sur le papier d’où naîtra finalement,à la fin de 1840, le procédé moderne de la photographie,qui fait un détour par la notion de négatif pour multiplier les images. La suite n’est qu’une succession d’innovations qui permettront d’obtenir une image nette,précise,rapide,reproductible et stable.

Je me suis assez vite retrouvé submergé par tant d’informations nouvelles, et surtout de termes nouveaux dont je passe ici les détails . Je me doutais bien cependant que l’apprentissage de cette terminologie spécifique était plus que nécessaire à une parfaite compréhension du monde numérique. En son comme pour le reste, je m’attendais à ce que l’entraînement fortifie cette compréhension. Mais c’est que j’observais – et ce n’était pas la première fois – que nous avions malheureusement trop peu de temps pour nous familiariser avec les médiums présentés, et que bientôt déjà, il faudrait passer à tout autre chose.

Dans un deuxiéme temps, Eric Samakh nous a proposé plusieurs prises de son avec une téte artificielle.

Cette technique est une reproduction au plus près du dispositif d’audition de l’oreille humaine. A cette fin, on utilise une tête artificielle formée, soit d’un simple coussin dont la taille est celle d’une tête humaine ou, plus récemment, d’une tête en polystyrène (type : support de perruque) recouverte de poussière de velours.

Le gros avantage de la prise de son par tête artificielle est de permettre une prise de son en stéréophonie particulièrement discrète en utilisant la tête du preneur de son comme tête artificielle. Il suffit pour cela de remplacer les écouteurs d’un casque de walkman par des capteurs de micro-cravate (Omni-D).

Les capteurs sont dirigés vers l’avant. La tête du preneur de son est un obstacle pour toutes les fréquences dont la 1/2 longueur d’onde est inférieure aux dimensions de sa tête. Celle-ci provoque un détimbrage au niveau de ces fréquences.

Penser à éviter tout bruit de gorge ou de bouche comme toute respiration un peu bruyante…

La difficulté, si difficulté il y a est de ne pas bouger inconsciemment la tête de manière intempestive pendant les prises de son, au risque de déplacement latéral brutal du paysage sonore ou et de la source. Ce genre d’erreur est absolument irrécupérable à postériori. Autre inconvénient de cette technique de prise de son : Elle n’est adaptée qu’à l’écoute par casque. Et pourtant, cet enregistrement n’est-il pas généralement destiné à une écoute sur enceintes acoustiques ?